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13 nov 2011

El Calvario de José de Ribera I: Iconografía // The Calvary of José de Ribera I: Iconography

Según las últimas investigaciones El Calvario o la Expiración de Cristo de José Ribera, el Españoleto, fue realizado en la ciudad de Nápoles entorno al año 1618 para el Gran Duque de Osuna y virrey de Nápoles, Pedro Téllez Girón, y donado en 1627, por su viuda doña Catalina Enríquez de Rivera, “a modo de homenaje póstumo” por la muerte de su marido, para el altar Mayor de la Colegiata de Osuna.
La pintura realizada al óleo sobre lienzo y de gran formato, representa a Cristo Crucificado en el momento de su expiración.
De pie a su derecha, aparece San Juan representado, como es habitual, como un joven sin barba  y vestido con túnica verde, símbolo de la regeneración del alma mediante las buenas obras, y con manto rojo, símbolo de la caridad.
A su lado la madre de Jesús, María. Siguiendo el relato de san Juan, Ribera la representa de pie, en actitud orante, y vestida con los colores tradicionales de la iconografía mariana: Manto azul y túnica roja.
Tras ella otra mujer de la que sólo se deja entrever el rostro y que, según el Evangelio de San Juan, podría ser María de Cleofás (Estaban al mismo tiempo, junto a la cruz de Jesús su madre, y la hermana de su madre, María, esposa de Cleofás).

 A la izquierda, arrodillada, abrazando la cruz y en ademán de besar lo pies de Cristo, se encuentra María Magadalena, representada con su característica cabellera larga y rubia y vestida con túnica color pardo en alusión a su abandono de su vida adúltera y su retirada del mundo para hacer penitencia.
En contraste con la túnica, lleva un rico manto para indicar la transformación sufrida por María Magdalena. En él predomina el verde, símbolo de redención. El dorado indica que la mujer ha conocido la verdad revelada y el rojo, que se repite en la vestimenta del resto de personajes, además de su simbología de caridad, alude a la Pasión de Cristo.
Al fondo, apenas perceptible, vemos la que podría ser la figura de otra mujer, y que se podría identificar como María Salomé, según el evangelio de san Marcos.
A los pies de la cruz, la calavera hace deferencia al Monte Calvario donde fue crucificado Jesús (Gólgota en hebreo significa calavera). Según la leyenda, la Cruz se apoya sobre los huesos y la calavera de Adán indicando así que mediante la cruz todos los hombres pueden alcanzar la vida eterna. Se establece así una relación entre el pecado original y la muerte redentora de Cristo.
PH: Boletín del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico, Año nº 14, Nº 59, 2006  , págs. 18-39

18 oct 2011

Especial: "El Gernika" de Picasso


El 26 de abril de 1937, la localidad vasca de Gernika fue bombardeada por la Legión Cóndor alemana. Unos días después Picasso comenzaba a pintar una obra encargada por el Gobierno de la República unos meses atrás. Una obra de gran formato para el Pabellón Español en la exposición de París de ese mismo año. Así nace “ El Gernika”, un alegato universal contra la violencia y la barbarie de la guerra.


El Mundo ha elaborado un amplio reportaje expuesto de un modo ameno y didáctico:
Desde las teorías sobre inspiración del autor en 'Los horrores de la guerra' de Rubens y en la película “Adios a las armas”,  a la visión sobre su autor, Picasso, y la obra y por parte de reconocidos pintores actuales.
Y además algunos de los detalles “ocultos” revelados durante lo estudios realizados por los conservadores.

Verdaderamente interesante.
Puedes verlo completo aquí

5 sept 2011

Oto Dix: Los siete pecados capitales / The seven Deadly Sins


El tema de los siete pecados capitales ha sido ampliamente interpretado por el arte: Desde la literatura, pasando por la pintura, el cine o incluso el diseño de mobiliario.
En esta ocasión lo visitamos desde el punto de vista del pintor alemán Otto Dix, uno de los máximos representates de la pintura alemana entre guerras y un artista muy implicado en el duro momento que le tocó vivir, lo que se refleja también en esta obra, que por cierto, se encuentra en la Staatliche Kunsthalle (el museo de bellas artes) de nuestra ciudad.
En sus cuadros, Dix muestra a las victimas de la guerra, a los pobres, a los marginados; denunciando todo aquello que incomodaba a la burguesía de la época, lo que lo convirtió en un pintor maldito para el poder nazi.
Su arte fue considerado “degenerado” y sus obras confiscadas.
En abril de 1933 Von Killinger, comisario del Reich, anota en su diario: “¿Vive todavía ese cerdo?”
Ese mismo año fue destituido de su cargos como profesor de la Academia de Dresde y miembro de la Academia Prusiana. El óleo, “Los siete pecados capitales” data precisamente de esa fecha.
En él, la comitiva siguiendo una macada diagonal descendente, avanza hacia nosotros remitiéndonos a las influencias del renacimiento alemán en la pintura de Otto Dix ( ¿os acordáis de esta otra pintura?).
Mediante ella el pintor nos advierte de la amenaza para el mundo del avance del mal y la locura.


Pero, comencemos por el principio. ¿Qué es un pecado capital?
Lospecados que conocemos como capitales, son (para la dotrina cristiana) aquellos vicios que dan lugar a cometer otros pecados y que llevan directamente al infierno.
Su número, siete, fue dado por San Gregorio el Grande:

  
1. La Avaricia
En un primer plano y representada como una vieja harapienta de nariz afilada que agrarra convulsivamente una piedra.
Dante cuenta que el castigo destinado para los avariciosos en el infierno es el de arrojarse piedras mientras se lamentan por atesorar riquezas, (lugar donde ya no les valen para nada).
Sobre su espalda cabalga la envidia, probablemente porque ambas actitudes suelen ir ligadas.

2.    Envidia
Representada como un enano o niño de pelo rubio revuelto con una máscara de rostro desencajado y que se aferra con la mano derecha a su cabalgadura mientras que se lleva  la izquierda, crispada, alcorazón.

Su bigotillo negro nos remite directamente al dictador. Sin embargo este detalle fue añadido más tarde, en 1945, probablemente con este propósito. Parece ser que en origen (recordemos que la obra fue pintada en 1933) este personaje hacía alusión a Richard Möller, profesor colega de Dix, un nazi cuyos celos habían precipitado la partida de Dix de la Academia.
El personaje lleva un jersey amarillo. En la iconografía cristiana este color es el de la bilis (en alemán gelb, amarillo, deriva de Galle, bilis) y de la envidia, es el símbolo de la traición de Judas y, por extensión, de los judíos (perfidi iudaei) a los que en la Edad media se obligaba a llevar un rodete amarillo cosido a su ropa y un gorro puntiagudo (pileus cornutus) de color amarillo azafrán.
3.    Inercia
Detrás “La pereza” está representada como un esqueleto, sin corazón, que habla de la falta de preocupación del pueblo alemán, cosa que el artista consideraba causa de la toma del poder nazi.
La posición de sus brazos y piernas nos remite claramente a una esvástica, sus guantes blancos y los huesos dibujados sobre el fondo negro recuerdan a los uniformes de las SS.

4.    La ira
Situada a la izquierda de la Inercia y repitiendo su movimiento, el cuchillo que alza en la mano derecha continua el movimientocircular iniciado por la guadaña de la muerte, quiza para indicar que ambas han actuado a la par.
Para su representación dix retoma el  simbolismo medieval del animal , el monstruo como la oscura imagen del pecado.

5.    Lujuria 

La Lujuria, la mujer mujer que agarra su pecho desnudo mientras con los párpados entrecerrados lame sus labios con las heridas carácterísticas de la sífilis, la llamada enfermedad galante.
Sus vestido naranja, un color llamativo,estimulante y relacionado con lo apetitoso, se entreabre formando una vagina.

6.    El orgullo
Representado como una figura de enorme cabeza y con la nariz levantada en señal de su arrogancia y necesidad de notoriedad (sin embargo notad que se encuentra quemada, negra como el carbón).
Una mano brota de su oreja tapaándole los oidos para no escuchar laopinión de los demás y la boca en forma de ano indicando la calidad de las palabras que salen por ella.


7. Gula
Y en último lugar la Gula.  En la parte superior derecha un pesonaje difrazado como un  niño godinflon que sostiene un dulce que ya vimos en la pintura de Bruegel, el típico Brezel.


Sobre el muro tras las figuras leemos una frase de Nietzsche en Así habló Zaratustra:
“El desierto crece, maldito sea quien encubre los desiertos”.
Y al fondo tempestad y ruinas.

15 jul 2011

«Salvator mundi»: ¿Un nuevo Leonardo Da Vinci?


Leonardo da Vinci pintó «Salvator mundi» entre 1490 y 1500. La pintura, de 60 centímetros, muestra a Jesús de medio cuerpo con una mano alzada para impartir la bendición y un orbe en la otra.
Su composición fue documentada varias veces a través de dos dibujos preparatorios realizados por el propio artista, más de 20 copias pintadas por sus discípulos, así como un grabado realizado por Wenceslao Hollar en 1650.

La obra apareció mencionada por primera vez en la colección del rey Carlos I de Inglaterra en 1649. En 1763, fue subastada por el hijo del duque de Buckingham. En 1900 apereció de nuevo, dañada por malas restauraciones y con autoría poco clarasiendo adquirida por el coleccionista británico sir Frederick Cook.
Los descendientes de Cook la vendieron en subasta en 1958 como obra del discípulo de Leonardo Giovanni Boltraffio, y siendo adquirida  por 45 libras.
En 2005 fue adquirida por el consorcio privado neoyorquino RW Chandler. Hace unos siete años, su salida a subasta por 200 millones de dólares fue suspendida al existir dudas sobre su autoría.
Estas dudas  hicieron que se encargara a Robert Simon, doctor en Historia del Arte en la Universidad de Columbia,  Nueva York, un estudio de la obra que permitiera certificar su autoría.
Tras cinco años de investigación, Simon aseguró que el cuadro fue pintado por Da Vinci. «Tras un amplio tratamiento para su conservación, el cuadro fue analizado por una serie de expertos internacionales y todos llegaron a la conclusión de que Salvator mundi es el original pintado por Leonardo da Vinci», dijo.
¿Todos lo expertos?

Para el experto alemán Frank Zollner  la autenticidad no está aún completamente comprobada.

Según Simon, los factores que convencieron a los expertos de la autenticidad del Leonardo fueron, entre otros, la ejecución y el estilo, así como su superioridad sobre más de 20 copias conocidas, realizadas por discípulos y admiradores. Los pigmentos y la técnica también son coherentes con los empleados por el gran maestro renacentista, añadió.
Sin embargo, el profesor Zollner dijo: “Cabe preguntarse si una cara con una nariz tan larga se corresponde necesariamente con el perfeccionismo de Leonardo". "Todo esto es una hipótesis muy interesante, y vamos a ver si aguanta", dijo Zollner. "Uno debe considerar el final abierto."

Del 9 de noviembre al 5 de febrero de 2012 la obra se expondrá en la National Gallery de Londres en la exhibición “Leonardo da Vinci: Pintor de la corte de Milán”.
 "Nos parece muy interesante incluir este descubrimiento en la exposición. Será la prueba de fuego para la obra, ya que se podrá comparar directamente con otros trabajos de Da Vinci universalmente conocidos", afirmó el curador de la muestra, Luke Syson.

Fotografías: Vía

18 mar 2011

La restauración de una pintura sobre tabla (y un arrepentipiento) / The restoration of an oil painting on board (and a repentance)

Hace mucho tiempo que no hablábamos aquí sobre restauración ¿verdad?
Esta obra nos la trajo un cliente para "limpiarla". Nos dijo que la había adquirido hace unos cuarenta años en Francia, que no tenía información alguna sobre el pintor y que desconocía su valor.
Se trata de una pintura realizada al óleo sobre un soporte de madera, con marco de este mismo material tallado y dorado.
La pintura, fechada en 1880, se encontraba en un estado bastante bueno, aunque con algunas pequeñas pérdidas de la capa de color. Sin embargo el barniz, oxidado, había oscurecido y distorsinaba el colorido de la obra.
 El marco se encontraba desensamblado y presentaba en varias zonas, pérdidas de fragmentos de madera, las decoraciones en relieve de estuco y el dorado.
En esta fotografía observamos la parte derecha una vez retirado la capa de barniz oxidado.
La limpieza ha devuelto a la obra su colorido original, pero como advertíamos aquí, es un proceso extremadamente delicado durante el que se puede destruir completamente la obra si es realizado por manos inexpertas.

Durante la realización del trabajo descubrimos algunos detalles, como los sellos del fabricante de las tablas en la parte posterior, desgraciadamente ilegibles.
Enmarcado en rojo una pérdida en la capa de color ocasionada probablemente por un golpe. Apreciad la forma que tiene, a modo de cuchillada.
Y en el óvao amarillo mi pequeña broma  en el título del post, el pentimento o arrepentimiento:
El pintor, durante la realización del cuadro "se arrepiente" (cambia de opinión) y modifica algún elemento, en este caso la posición de una de las orejas del caballo.
La cubre con una capa de óleo del color del cielo pero éste, al pasar el tiempo, se vuelve algo más traslúcido y deja entrever elelemento que el autor quiso borrar, el arrepentimiento.
Curioso ¿no?
Como dice una amiga, el tiempo nos pone a cada uno en nuestro lugar...Y en los cuadros también. 
Este es el resultado final, tras la reintegración de las pérdidas de soporte y color. 
Y además descubrimos que la obra, de Louis J. P.Tinayre (1861-ca.1920), puede valorarse entre 1000 € y 3000 €, con lo que el dueño tuvo una dosis doble de alegría.
¿Tenéis también un cuadro de pintor "desconocido" en casa? ¿Sospecháis que podría ser de Louis Tinayre?
Abajo os dejo la firma.



5 mar 2011

El combate entre don Carnaval y doña Cuaresma / The Fight Between Carnival and Lent


Estava don Carnaval ricamente assentado
a messa mucho harrta en un rico estrado;
delante de sí juglares com’ome muy onrrado;
de sus muchas vyandas era byen abastado.

“Combate de don Carnal y Doña Cuaresma”, Arcipreste de Hita

Se dice que es a causa de una necesidad psíquica del ser humano por lo que en diversas sociedades humanas se establece un paréntesis de tiempo en el que las normas sociales quedan temporalmente derogadas y se permite todo lo habitualmente prohibido.

La costumbre de disfrazarse durante el carnaval derivaría entonces de esta necesidad de evasión e incluso de pérdida de identidad. Al disfrazarnos nos convertimos en otro y escapamos así de nuestra rutina.

El carnaval en el mundo cristiano surge como contrapunto al periodo de cuaresma en el que en otro tiempo se imponía una rigurosa penitencia y austeridad.
En este sentido la obra de Bruegel "el combate de don Carnal y Doña Cuaresma" es absolutamente clarificadora.
A al izquierda Don Carnal, representado como un hombre obeso y subido en un barril, seguido de su cortejo. La mutitud hace caso omiso de los lisiados y sigue a su rey con abundancia de comida, bebida, música, juegos, disfraces y actitudes alejadas de las normas morales.

A la derecha Doña Cuaresma "chupada y larga" (en alusión a sus siete semanas de duración) de cuya carroza tiran unos monjes y a quien también sigue su cortejo de personajes cubiertos de velos negros y otros que reparten limosnas.
Junto a un pozo un grupo de mujeres limpia pescado como referencia al que en estos días este alimento debe sustituir a la carne y junto a ellos, el cerdo come con la tranquilidad de quien se sabe a salvo.
Observad con atención el cuadro, porque esta obra está llena de este tipo de divertidos detalles.
Por cierto, estas cosas que parecen gafas son en realidad un dulce procedente del sur del Alemania y  relacionado con estas fechas,  llamado Brezel.

13 ene 2011

¿Qué es una Cámara de maravillas o Wunderkammer? / What is a chamber of wonders or Wunderkammer?


Rincón de una wunderkammer. Fran FRancken II, 1636
Desde siempre me ha fascinado la idea de la Cámara de maravillas o Wunderkammer. Solo su nombre evoca ya un lugar fantástico, privado y personal, oculto, lleno de prodigios y donde todo es posible.

Me había propuesto que la primera entrada de este año fuese especial y entonces he recordado que hasta ahora no hemos tratado el tema que precisamente da el nombre a mi tienda y a este blog.
Más vale tarde que nunca ¿No os parece?

Anónimo, Cabinet de curiosités, Cámara de maravillas,
Wunderkammer(fin. s.XVII). O/l , Florencia, Opificio delle Pietre Dure.

Se dice que el instinto coleccionador va unido a la misma naturaleza humana y que ya en las civilizaciones primitivas se observa la tendencia o necesidad de posesión de objetos.

Anónimo, del Gabinete de Curiosidades (finales del XVII ° siglo). Óleo sobre lienzo.

El origen de la Wunderkammer, y por extensión de lo que entendemos como coleccionismo moderno, comienza con el Duque de Berry, hermano de Carlos V (1340- 1416), en la corte de Borgoña. En su colección, que se repartía entre los numerosos castillos de sus grandes feudos, hacen aparición una serie de objetos que serán el fundamento de las Cámaras de Maravillas de los s. XVI y XVII.

 Museo Cospiano Catálogo de la coleción publicado en  Bologna en 1677

Si hasta ese momento los objetos se habían valorado por el material precioso en que se habían realizado (los tesoros); a partir de aquí se valorarán también por su contenido estético, artístico, histórico y/o su rareza:
Joyas y reliquias, bordados, tapices, colecciones de juegos diversos, vajillas de oro, esmaltes, relojes, tinteros, elementos de la naturaleza (que tanto éxito van a tener en el s.XVI) como cocos o cristal de roca ricamente tallados, objetos menudos, a veces insignificantes. Contravenenos, como cuernos de unicornio (que eran dientes de narval), lenguas de serpiente, cuernos de ciervo volante montados en plata, y refinados objetos técnicos como microscopios. También contaba con colecciones zoológicas en los jardines, y una colección de retratos de poderosos y emperadores.
Anónimo. Cámara de maravillas de Ferdinando Cospi en Bologne.
 1677, grabado, Biblioteca Estense, Módene.

Por lo tanto, estas colecciones de los s.XVI y s.XVII se organizan en torno a dos ejes principales: Naturalia o cosas de la naturaleza ( Algunas veces incluso recreados. No faltaban seres míticos, tema que daría para otra entrada) y artificialia u objetos creados por el hombre (como arqueología, etnografía, arte, reliquias, objetos religiosos y antigedades).
Anónimo. Gabinete de Manfredo Settala en Milan, Grabado, 1664.
Como dice Michael Kimmelman  (The Accidental Masterpiece: On the Art of Life and Viceversa), contenían cualquier cosa, siempre que fuera la más grande, la más pequeña, la más rara, la más exquisita, la más bizarra o la más grotesca.
Anónimo. Wunderkammer de Ferrante Imperato de Nápoles, 1672.
Grabado, Biblioteca Estense, Módena.

Estas colecciones fueron los precursores de los museos. En ellas Los objetos se ordenan, se reúnen e interpretan y se analizan de un modo precientífico. Es un coleccionismo ecléctico, caótico, pero a la vez organizado para ser expuesto.


Gobernantes y aristócratas, mercaderes y burgueses, así como los primeros practicantes de la ciencia en Europa contaban con su propia colección. Wunderkammern famosas fueron las de Rodolfo II de Habsburgo (1552-1612), la del Archiduque Leopoldo Guillermo (1614-1662), la de Federico Augusto el Príncipe Fuerte(1679-1733); Carlos I de Inglaterra(1600-1649) , el Zar Pedro el grande (1672-1725), la de Ana María Luisa de Médicis (1667-1743) , Mazarino, Gastón de orleáns (1608-1660), las Monasterios de San Martín de las Escaleras cerca de Palermo, y las de estudiosos como Peiresc, Ole Worm (médico sueco) o Lorenz Hoffman (médico alemán).

Los gabinetes de curiosidades desaparecieron en los s. XVIII y XIX. Los objetos considerados más interesantes pasaron a formar parte de los museos de arte y de historia natural .

Anónimo. El gabinete de Ole Worm, 1655, grabado, Biblioteca Estense, Módena.

Más información:

http://en.wikipedia.org/wiki/Cabinet_of_curiosities

23 dic 2010

Colección de miniaturas Martínez Lanzas-de las Heras: El arte íntimo / Martínez Lanzas-de las Heras miniature collection: The intimate art.

  Dentro de nuestras series Coleccionistas y Colecciones, hoy quiero presentaros una muy especial, la Colección de miniaturas Martínez Lanzas-de las Heras.
Algunos ya la conoceréis a través de su blog, con el mismo nombre. O quizá habréis visto el enlace en el lateral de éste ya que es uno de mis wunderblogs favoritos.
Ahora el propio coleccionista, el Sr. Eloy Martínez Lanzas, nos la presenta a través de una interesante entrevista en la que nos desvela el porqué , los orígenes y características findamnetales de una de las colecciones de miniaturas más importantes de Europa.
CdM. ¿Quién es Eloy Martínez Lanzas? Háblenos un poco de usted.

Bueno, soy una persona con mucha curiosidad por todo lo que me envuelve, amante de las artes y a punto de entrar en la jubilación y con muchos proyectos por hacer. Mi profesión es la de arquitecto y vivo en la actualidad en Cataluña.
CdM. Díganos ¿qué es una miniatura y qué la diferencia de un “cuadro normal”?

La miniatura es algo especial. La mayoría de estos pequeños retratos son de seres anónimos, desaparecidos hace mucho tiempo, que tenemos la certeza que nacieron, vivieron y murieron, y tal vez sea la única huella que dejaron al pasar por este mundo. Imágenes lejanas, rostros de ancestros desaparecidos, dormidos sobre el papel o el marfil, aprisionados en sus marcos que esperan que les hablemos. Un mundo de silencio y eternidad, donde poco importa la destreza técnica del miniaturista sino la energía que desprende y nos conmueva. Los retratos en miniatura fueron realizados para ser observados en la más estricta intimidad entre sus seres queridos, no para exhibirlos como ocurre con el “cuadro normal” a que se refiere usted. Esa es la gran diferencia.

CdM. ¿Cómo y por qué comenzó esta colección?

Siempre he sido un gran aficionado a la pintura, y especialmente al género del retrato. El descubrimiento de esta especialidad del arte, de eso hace muchos años, ha provocado y me sigue provocando en mi imaginario el aura de una historia singular sensible y particular, una historia secreta que yo procuro desvelar y transmitirla a los seguidores y visitantes casuales de mi blog.

 CdM. ¿Es una colección individual o familiar?

La colección la iniciamos hace unos treinta años, entre mi mujer y yo

 CdM. ¿Qué tipo de objetos abarca la colección?

En mi colección coexisten retratos en miniatura de muy diverso origen, procedencia y antigüedad. La mayoría de mis retratos están pintados sobre placas de marfil, y en menor medida sobre otros soportes, como el cobre, la madera, el pergamino y el papel.

CdM. ¿Qué número de miniaturas se conservan en su colección?

Las miniaturas que han conservado en su gran mayoría sus marcos originales, asciende aproximadamente a las trescientas cincuenta piezas, lo cual hace de mi colección al menos desde un punto de vista cuantitativo una de las más importantes no solo de España sino de Europa


CdM. ¿Sigue viva?

Muy viva. Siempre aprendo cosas nuevas de estos pequeños retratos. Me lanzan continuos mensajes que yo procuro interpretar y traducir. Todo un mundo oculto esperando desvelar.

CdM. ¿Cómo crece? ¿Dónde adquiere los nuevos retratos?

Siempre estoy atento al mercado de antigüedades, a los mensajes que me llegan de particulares que me consultan y ofrecen retratos que han permanecido durante generaciones en sus familias. Naturalmente que no todo puedo comprar. Hay piezas de gran valor histórico y artístico muy valoradas que salen al mercado, especialmente en el inglés, a la cuales no tengo posibilidad de acceder por sus altos precios. Pero mis conocimientos sobre esta materia me permiten encontrar y descubrir piezas verdaderamente interesantes, fuera de estos circuitos.

CdM. ¿Tiene usted alguna otra colección, además de ésta?

Como tal colección no, pero si dispongo de una interesante biblioteca con ejemplares excelentes, especialmente del siglo XIX con primeras ediciones de novelas románticas y realistas. La imagen impresa, especialmente el grabado de talla dulce, el aguafuerte y la litografía, siempre me ha interesado, y dispongo también de buenos ejemplares. El pastel, el dibujo y la pintura al óleo de diferentes estilos y épocas tampoco faltan en mi colección.

CdM. ¿Se encarga usted mismo de la conservación de sus obras?
De mis miniaturas siempre. No olvide que yo mismo me considero miniaturista, que a lo largo de muchos años he aprendido las técnicas de restauración de las miniaturas que no tienen nada que ver con las técnicas habituales que se aplican sobre la pintura al óleo. En mi blog expongo miniaturas realizadas por mi y trabajos de restauración de piezas antiguas.

 CdM. ¿Cuánto tiempo dedica diariamente a su colección? Es decir, cuidado, documentación, búsqueda de piezas…

Varias horas al día. Escribo y preparo mis nuevas entregas que aparecen de manera regular en mi blog donde abordo el fenómeno de la miniatura con el mayor rigor posible y documental. Me da oportunidad de escribir y divulgar esta especialidad del arte tan poco conocida para el público especialmente de habla hispana. Un gran vacío editorial pesa sobre la miniatura en nuestro país y pocos son los especialistas en esta materia a diferencia de los países europeos de nuestro entorno, donde los retratos en miniatura están presentes en museos e instituciones y donde las exposiciones y publicaciones son constantes.


CdM. ¿Qué opina su familia o personas cercanas de su afición?

Creo que la opinión es buena en general, aunque es posible que algunos me consideren, con razón, excesivamente monotemático, perfil por otra parte que corresponde al coleccionista.

 CdM. ¿Cuál es su pieza favorita?

No tengo una pieza favorita en concreto, pero si algunos retratos que por diferente razón son de un mayor aprecio y significación para mi .

CdM. ¿Y su pieza soñada?

Ciertamente, cualquier coleccionista sueña con la posesión de alguna pieza que nos resulta del todo inaccesible o bien aquella pieza extraordinaria que está por llegar. Me gustaría tener en la colección un retrato del gran Samuel Cooper, de algún personaje de la corte Tudor pintado por Hans Holbein o Nicolás Hilliard o de un retrato en miniatura de Felipe IV por descubrir salido de los pinceles de Velázquez.

CdM. ¿Cómo surgió la idea de un blog vitrina para su colección?

Sencillamente para compartir con otros, los tesoros que en mi opinión guardo en mi colección, y facilitarles mediante mis artículos conocimientos, despertar sensibilidades dormidas, y sobre todo valorar el arte del antiguo “ limming” entre nuestros seguidores

 CdM. Aparte de en su blog, ¿es posible disfrutar de su colección directamente a través de visitas, participación en exposiciones, etc.?

Desgraciadamente no. No se dan por ahora las condiciones necesarias para hacer una exposición de estas características, por la falta de un público interesado para acudir a este tipo de eventos, ni la voluntad de nuestras instituciones culturales para hacerlo.

CdM. Esperemos que esto pueda cambiar  y algún día podamos disfrutarla en vivo. Por el momento podemos vivitar acompañadas de una documentación excepcional en el  blog: